En 1922, hace poco más de un siglo, Man Ray (Filadelfia, 1890- París, 1976) abría su primer estudió en París. Allí, en el primer piso de un edificio modernista, en la 31 bis Rue Campagne-Première, en el corazón de Montparnasse, lograría encumbrar su fotografía experimental a la categoría del arte. Mientras, y de forma paralela, retrataría a todo un elenco de personajes, y sin proponérselo daba forma a una elegante tipología, que no solo ofrece un registro del quién es quién del esplendoroso periodo de entreguerras, sino un reflejo del extraordinario tejido cultural que alumbraba la ciudad del Sena de los años veinte y treinta. Fue precisamente el género del retrato, unido a la fotografía de moda (publicaría en Vogue, Harper’s Bazaar y Vanity Fair) el impulsor de la fama del versátil artista estadounidense. Había llegado a París con el propósito de convertirse en pintor —empeño que nunca abandonó— y optó por la cámara como un recurso para ganarse la vida. Diría que fotografiaba aquello “que no quería pintar” y pintaba lo que “no puede ser fotografiado”; conseguía así ensanchar los límites del medio fotográfico.
La personalidad inquieta, provocadora, traviesa y también un tanto contradictoria de Emmanuel Rudnitzky (quien adoptó el nombre de Man Ray a los 15 años, cuando su familia de procedencia rusa y judía se trasladó a Nueva York) encajaría a la perfección con el espíritu dadá y surrealista, siendo uno de los pocos fotógrafos asociado a ambos movimientos. De ahí que, con motivo del centenario del Primer manifiesto surrealista, la institución suiza, Photo Elysée exhiba Man Ray. Liberating Photography. Un recorrido por el quehacer creativo de una de las figuras más emblemáticas del ámbito artístico del pasado siglo XX, cuya obra sigue alargando su sombra, centrado en los años veinte y treinta. Décadas durante las cuales el artista reinventaría y abriría nuevos caminos para la fotografía, desempeñando un papel clave a la hora de presentar al medio fotográfico como un vehículo vanguardista de expresión creativa.
La exposición procede de los fondos de una colección privada. “Diría que se trata de la colección más extensa en manos privadas”, apunta Nathalie Herschdorfer, comisaria de la exposición y directora del museo, durante una conversación telefónica. Herschdorfer contrastó las imágenes de dichos fondos con las que alberga el Centro Pompidou (cerca de 12.000 negativos que reflejan la prolífica naturaleza del autor). “Resultaba interesante ver las variantes de poses de una misma sesión”, destaca la comisaria. “Se sabe que Man Ray con frecuencia recortaba sus imágenes, obteniendo un resultado que distaba mucho del negativo existente. Adoptaría un enfoque intervencionista de su obra prestando mucha atención al resultado final. En la exposición mostramos obras impresas por el autor en los años veinte pero que décadas más tarde volvería a imprimir cambiando el corte. Un ejemplo sería Desnudo desde atrás (solarizado) (c. 1930) de la que incluimos una copia vintage de otra versión más conocida con otro encuadre. Por lo que de alguna forma son obras distintas”.
“En líneas generales, sus retratos son bastante clásicos, con referencias a los grandes pintores de la historia como Rembrandt o Vermeer en términos de la luz y la sombra y la composición”, apunta Herschdorfer. Sin embargo, su tendencia al juego, y a meter a sus modelos dentro de roles con el fin de buscar la emoción, a experimentar con el encuadre y distintas técnicas experimentales, le distanciaba de los terrenos meramente descriptivos. “Solía ser mucho más creativo a la hora de fotografiar a las que consideraba sus musas: Kiki de Montparnasse, Lee Miller, Meret Oppenheim, (artistas por derecho propio) y la menos conocida Adrienne Fidelin”, destaca la comisaria. “Utilizaba su cuerpo en la misma forma en la que los pintores surrealistas observaban a los cuerpos femeninos, como objetos sexuales, pero yo diría que estas mujeres eran muy activas, que no era el fotógrafo solo el que tomaba las decisiones. Es importante destacar que desempeñaban un papel activo en el proceso. Era una colaboración. Intervenían más allá de posar y querer ser fotografiadas. Creo que influyeron bastante en él y en su trabajo”.
Son varios los autorretratos incluidos en la muestra como aquel realizado el día que le abandonó Lee Miller con una pistola en la mano y una soga alrededor del cuello. “Desde que llegó a París y fue introducido por sus amistades, entre ellos Jean Cocteau, a distintas personalidades de la sociedad francesa, entendió la importancia de la autopromoción”, advierte la comisaria. “En ese sentido jugó con su propio personaje para ser parte de ese grupo que estaba fotografiando. No era tímido, ni callado. Estaba donde tenía que estar. Y quería ser reconocido como un artista no como un fotógrafo, esto se quedaba corto para él”. “Fue su logro tratar la cámara como trataba el pincel, como un mero instrumento al servicio de la mente”, diría Marcel Duchamp de Man Ray. Eran las posibilidades que ofrecía la fotografía como una herramienta conceptual las que realmente interesaban al artista.
Fue en el cuarto oscuro donde dejando de lado la cámara transformó el medio fotográfico en una poderosa herramienta de expresión artística. De suerte que, al poco de llegar a París comenzaría a crear fotogramas, técnica practicada desde los albores del medio —y también por Moholy-Nagy y Christian Schad—, para nuevamente hacer gala de su capacidad de autopromoción llamándolos rayogramas (ray, como su propio nombre). De igual forma, haría uso de la solarización (redescubierta, accidentalmente, por Lee Miller, cuando trabajaba como su ayudante). Man Ray aplicaba estas técnicas de una manera distinta a como se había hecho hasta entonces, dentro de unos planteamientos radicalmente nuevos que introduciría en el ámbito del retrato, la publicidad y la moda.
Fotograma de la película ‘L'étoile de mer ‘(1928), de Man Ray.